Come together Franz Ackermann Heike Aumüller Katinka Bock Armin Boehm Ulla von Brandenburg Björn Braun Henrik Håkansson Anna Lea Hucht Zara Idelson Jamie Isenstein Robert Janitz Daniel Knorr Korpys / Löffler Eva Koťátková Ján Mančuška Meuser Helen Mirra John Miller Jonathan Monk Melvin Moti Scott Myles Paulo Nazareth Daniel Roth Silke Schatz David Thorpe Gabriel Vormstein Waldemar Zimbelmann Jan Zöller Miriam Cahn Alexandra Bachzetsis

29.06.19 – 03.08.19 Group Exhibition Meyer Riegger, Berlin

(En)

In line with the title of the current exhibition – Come together – all the artists involved with the Meyer Riegger Gallery have joined forces in Berlin to produce a communal exhibition of their work. Only a few months after the opening and inauguration of the new Berlin gallery space, the majority of our artists will be exhibiting for the first time in the Joachimsthaler/Schaperstraße. As a result, Come Together is a situational portrait of more than 20 years of the gallery’s programme. At this …

(En)

The artists Jonathan Monk, Silke Schatz, Armin Böhm, Jan Zöller and Franz Ackermann are represented here with ‘signature pieces’ – dense, concentrated references to the respective approaches of their individual oeuvres. Monk’s contribution takes the form of a sculptural mise en abyme of the number 45 – a pointer to his own age, to the age of the matchbox toy cars he deploys, and to their starting number. In a further volte, the display, based on a work of Robert Smithson’s from the year 1966, refers back to the year in which the original vehicle was first produced. Franz Ackermann has exemplary chosen a piece of furniture to present his recognizing and reappearing motifs, while Jan Zöller’s canvas introduces the fountain as well as the bird as both creative and iconographic signs and brand labels of his work.

Ulla von Brandenburg’s wall piece brings its own manner of production into play. Draped as a curtain, its lengths of fabric end as traces of colour – a reference both to the production process of the home-dyed material and to the illusory potential of painting and theatre. Meuser and Katinka Bock, for their part, conjoin decidedly sculptural gestures and narrative quality. A central role is played by the inherent dynamism of form and the changeability of the source material – for Bock, spatio-temporal processes are essential. In the exhibition, this becomes visible in the artist’s so-called “Warm Sculptures”, which are explicitly made of unfired and therefore less stable clay.

The artistic approaches of Henrik Håkansson, Melvin Moti and Björn Braun come together in the attention they pay to animal species and in the methods of their notation. Moti’s poster is devoted to the bird species of the ‘finch’, whose characteristic of experiencing the sleeping and waking state in identical manner points to the theme of the relationship between consciousness and control – also with respect to human beings.

In the works of Waldemar Zimbelmann, Anna Lea Hucht and Eva Kot’átková body and psyche appear in puzzling, ambiguous or fragile constellations. Kot’átková’s work “Head no.4: Lonely Head (Social Anxiety Disorder)” can be activated by the observer, who thus gives it a scenic re-charge in attempting to vicariously trace an emotional state.

Between such works and those of Miriam Cahn the relationship is more drastic. Their affect-arousing pictorial language and their vigorous painterly gestures, in which human actions convey psychological urgency, mark Cahn’s paintings. These realistic tendencies in Cahn’s oeuvre are countered by Uwe Henneken’s painting. Inspired by symbolism, it opens itself to the representation of phantasy-borne parallel worlds. Zara Idelson, on the other hand, approaches her subjects in a very different manner. The pictorial segment she has chosen of a fluidly and fluently depicted car journey quotes the close-ups and pointed narrative structures of comic strips.

In their works, Robert Janitz, Heike Aumüller and Scott Myles rely on the formal principle of overlay or interference. To this end, Aumüller’s print employs the surreal effects of a photographic alienation technique, while Janitz and Myles practise composition as the complex stratification of pictorial, material and sign levels.

Daniel Roth’s stone tablets summon up the image of a breeding ground on which forms abound and disport themselves. They seem to come to the surface as an organic web and weft or a flesh-like structure, held in only by the geometric ordering system of cartography and pictorial fields. In David Thorpe’s fresco, representation and material actually do intertwine: the image-bearer is partly made up of components of various plants (among them oak and hazel bush), which refer back to the work’s botanical motif. A similar theme is also recaptured in the work by Gabriel Vormstein showing a deconstructed sunflower on primed newspaper.

Other works in the exhibition are linked by their humorous approach. Ján Mančuška’s floor sculpture, “Accident”, drawn by footprints, contains a play on an action present in the poetry of everyday life – slipping, slithering or skidding – in which comedy and existential danger come together. Korpys/Löffler’s schnapps, distilled from one of Joseph Beuys’ wedges of fat, incarnates the artist-genius as a genie in a bottle. While taking to the extreme Beuys’ longstanding artistic concern with aggregate conditions, the work at the same time draws a portrait of the Rhineland artist. Jamie Isenstein’s wig sees itself as an allegory of the connection between beauty and transience, as it appears in the accessory headpiece employed for purposes of concealment.

Their performativity, process character and documentary methods link the works on display by Paulo Nazareth and Helen Mirra. The linear composition and the natural materials employed in “August Muir” stand in spatio-temporal relation to the extended walks Mirra undertakes. “Noticias de América” shows Nazareth against a background of politically connoted landscapes of Latin America – among them the sea as a symbol of colonial land seizure or of the trans-Atlantic slave trade. In contrast, John Miller’s work takes the form of an installation, marked by a sky-blue wall zone. This forms the stage for a golden phallus sculpture, whose surface, reminiscent of excrement, jovially contrasts the spiritual and material spheres.

Alexandra Bachzetsis is represented in the exhibition with an artist’s book from the Centre culturel suisse. It contains choreographically arranged objects and photographs of dancers in body positions from Bachzetsis’s dance performance “Escape Act”, borrowed from the queer posing culture of “Vogueing” and Oskar Schlemmer’s “Triadisches Ballett” [Triadic Ballet] (1922). Enclosed by a wall-covering designed by Daniel Knorr on the outside towards Joachimsthaler Straße, all the above-mentioned positions in Come together are, in the final analysis, a symbol and emblem for the close co-operation of the gallery both with the artists who are its longstanding companions and with the most recent newcomers from Karlsruhe and Berlin.

Translation: Richard Humphrey

(De)

Gemäß dem Ausstellungstitel Come together haben sich sämtliche KünstlerInnen der Galerie Meyer Riegger zu einer gemeinsamen Werkschau in Berlin zusammengefunden. Der Großteil von ihnen stellt nur wenige Monate nach der Einweihung der neuen Räume erstmals in der Joachimsthaler/Schaperstraße aus. „Come together“ ist damit situatives Portrait von mehr als 20 Jahren Galerieprogramm. Die neu gewonnene Ausstellungsfläche samt ihrer Aufteilung in Rundgang, Kapelle, sowie Erd- und Obergeschoss bildet …

(De)

Mit „signature pieces“, und damit konzentrierten Verweisen auf ihren Werkansatz, sind Jonathan Monk, Silke Schatz, Armin Böhm, Jan Zöller sowie Franz Ackermann vertreten. Monks Beitrag gestaltet sich als plastische mise en abyme auf die Zahl 45 – ein Hinweis auf das eigene Alter, das der verwendeten Matchbox-Autos und deren Startnummer. Das Display nach einer Arbeit Robert Smithsons von 1966 greift in einer weiteren Volte auf das Entstehungsjahr des Originalfahrzeugs zurück. Ackermann hat exemplarisch ein Möbel als Träger seines wiederkehrenden Bildkanons gewählt und Zöllers Arbeit führt Brunnen und Vogelmotiv als kreative wie ikonografische (Marken-)Zeichen ein.

Ulla von Brandenburgs Wandarbeit bringt die eigene Herstellung ins Spiel. Zu einem Vorhang drapiert, lässt sie Stoffbänder in Farbspuren auslaufen – ein Verweis auf den Entstehungsprozess der selbst gefärbten Textilien sowie das Illusionsvermögen von Malerei und Theater. Meuser und Katinka Bock wiederum verknüpfen dezidiert bildhauerische Gesten mit erzählerischem Mehrwert. Formale Eigendynamik und die Veränderlichkeit des Ausgangsmaterials spielen dabei eine zentrale Rolle, für Bock sind raum-zeitliche Prozesse entscheidend. In der Ausstellung werden diese an Bocks explizit aus ungebranntem und damit weniger beständigem Ton geformten „Warm Sculptures“ sichtbar.

Die Ansätze von Henrik Håkansson, Melvin Moti und Björn Braun treffen sich in ihrer Aufmerksamkeit für tierische Spezies und Methoden der Notation. Motis Poster ist der Vogelgattung des „Fink“ gewidmet, dessen Eigenschaft, Schlaf- und Wachzustand identisch zu durchleben, das Verhältnis von Bewusstsein und Kontrolle auch mit Blick auf den Menschen thematisch werden lässt.

In den Arbeiten von Waldemar Zimbelmann, Anna Lea Hucht und Eva Kot‘átková treten Körper und Psyche in rätselhaften, doppeldeutigen oder fragilen Konstellationen zutage. „Head no.4: Lonely Head (Social Anxiety Disorder)“ (Kot‘átková) darf von den Betrachtern aktiviert und im Nachspüren eines emotionalen Zustands szenisch aufgeladen werden.

Drastischer hierzu verhalten sich die affizierende Bildsprache und kräftige Malweise von Miriam Cahns Leinwänden, in denen menschliches Handeln psychologische Dringlichkeit vermittelt. Cahns realistische Tendenzen werden durch Uwe Hennekens Malerei durchkreuzt. Sie ist vom Symbolismus inspiriert und öffnet sich zur Darstellung fantastischer Parallelwelten. Ganz anders nähert sich Zara Idelson ihrem Gegenstand an. Der von ihr gewählte Bildausschnitt einer flüssig aufs Blatt gebrachten Autofahrt zitiert die Naheinstellung und pointierte Erzählstruktur von Comics.

Robert Janitz, Heike Aumüller und Scott Myles setzen in ihren Arbeiten auf das formale Prinzip der Überlagerung oder Interferenz. Aumüllers Print nutzt hierfür die surrealen Effekte fotografischer Verfremdungstechnik, Janitz und Myles betreiben Komposition als komplexe Schichtung von Bild-, Material- und Zeichenebenen.

Daniel Roths Steintafeln rufen das Bild eines Nährbodens auf, in dem sich Formen tummeln. Diese scheinen als organisches Geflecht oder fleischliches Gebilde an die Oberfläche zu treten und lediglich durch das geometrische Ordnungssystem von Kartographie und Bildfeldern gebändigt zu werden. In David Thorpes Fresko greifen Darstellung und Material tatsächlich ineinander: im Bildträger sind Bestandteile verschiedener Pflanzen verarbeitet – wie unter anderem von Eiche oder Haselnussstrauch – die auf das botanische Motiv zurückweisen. Ein solches findet sich auch bei Gabriel Vormstein, in Form einer dekonstruierten Sonnenblume auf grundiertem Zeitungspapier.

Andere Arbeiten der Ausstellung werden durch ihren humoristischen Ansatz gebündelt. Die von Fußabdrücken gezeichnete Bodenskulptur „Accident“ von Ján Mančuška enthält ein alltagspoetisches Gedankenspiel auf den Vorgang des Ausrutschens, in dem Komik und existentielle Gefahr aufeinandertreffen. Korpys/Löfflers aus einer Fettecke von Joseph Beuys gebrannter Schnaps lässt das Künstlergenie als Flaschengeist inkarnieren. Indem es Beuys künstlerische Beschäftigung mit Aggregatszuständen auf die Spitze treibt, zeichnet die Arbeit zugleich auch ein Portrait des rheinischen Künstlers. Jamie Isensteins Perücke versteht sich als Allegorie auf den Zusammenhang von Schönheit und Vergänglichkeit, wie sie in dem zur Kaschierung verwendeten Requisit zum Ausdruck kommt.

Performativität, Prozess und dokumentarische Verfahren verbinden die Werke von Paulo Nazareth und Helen Mirra. Lineare Komposition und Naturmaterialien in „August Muir“ stehen in raumzeitlicher Relation zur Mirras Wanderungen. „Noticias de América“ zeigt Nazareth vor politisch konnotierten Landschaften Lateinamerikas, darunter das Meer als Symbol kolonialer Landnahme oder des transatlantischen Sklavenhandels John Millers Arbeit nimmt demgegenüber die Form einer Installation an, markiert durch eine himmelblaue Wandzone. Sie bildet die Bühne für eine goldene Phallus-Skulptur, deren an Exkremente erinnernde Oberfläche spirituelle und materielle Sphäre unernst kontrastiert.

Alexandra Bachzetsis ist in der Ausstellung mit einem Künstlerbuch des Centre culturel suisse vertreten. Es enthält Fotografien choreographisch arrangierter Gegenstände und Aufnahmen von Tänzern in Körperstellungen aus Bachzetsis Tanzperformance „Escape Act“, die der queeren Posing-Kultur des „Vogueing“ und Oskar Schlemmers „Triadischem Ballett“ (1922) entlehnt sind. Durch eine Wandverkleidung Daniel Knorrs hin zur Joachimsthaler Straße gefasst, stehen die genannten Positionen in Come together schließlich als Sinnbild für die enge Zusammenarbeit der Galerie mit künstlerischen Weggefährten und den jüngsten Neuzugängen in Karlsruhe und Berlin.

Der Baron auf den Bäumen (RF 312 m. ü. M.)

Geist, Reste der zerstörten Fettecke von Joseph Beuys (1982, Raum 3, Staatliche Kunstakademie Düsseldorf)

Head no.4: Lonely Head (Social Anxiety Disorder)

Leaders of the Golden Age - from monetary to planetary Consciousness

Come together

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