Je Est Un Autre Heike Aumüller Uwe Hennken Jamie Isenstein Eva Koťátková Ján Mančuška Jonathan Monk
18.09.09 – 07.11.09 Group exhibition Meyer Riegger, Berlin
We are pleased to present the group show Je Est Un Autre, featuring works by the six contemporary artists Heike Aumüller, Uwe Henneken, Jamie Isenstein, Eva Kotátková, Ján Mančuška and Jonathan Monk who work in different media with a surrealist appropriation of figuration. Painting, installation art, film and performance included in the exhibition will be further complimented by a concert by the group Kammerflimmer Kollektief (Heike Aumüller, Johannes Frisch and Thomas Weber) which will occur …
We are pleased to present the group show Je Est Un Autre, featuring works by the six contemporary artists Heike Aumüller, Uwe Henneken, Jamie Isenstein, Eva Kotátková, Ján Mančuška and Jonathan Monk who work in different media with a surrealist appropriation of figuration. Painting, installation art, film and performance included in the exhibition will be further complimented by a concert by the group Kammerflimmer Kollektief (Heike Aumüller, Johannes Frisch and Thomas Weber) which will occur in our gallery space on Friday, the 25.9.2009 at 8 pm. Parallel to this exhibition we will be presenting two further artistic stances at our fair stand at the Artforum Berlin: Daniel Roth and Ján Mančuška, whose assemblage-like installation pieces there fall into line with the concept of the group show. This open curatorial form allows correlations among the featured positions that shift between visual arts, music and film to develop, and guarantees freedom beyond the specific medium for an encounter with each of the very individual formal languages.
Based on self-reflection, the pieces that are juxtaposed within the show deal with perception, formation and breakage of identity, sometimes in a humorous way. The title Je Est Un Autre leads back to a letter written in the year 1871 by the poet Arthur Rimbaud addressed to the littérateur Paul Demeny, wherein Rimbaud discloses his idea of the new function of the poet as a creator, magician and seer. The phrase drafted in this letter “Car Je est un autre – For I is another” characterises his concept of a self through the dissolution of all senses, a magnitude composed of fragments, which resembles an oscillation between form and formlessness. Arthur Rimbaud sees this shattered self embodied in poetic articulation as a melodic-rhythmic scoring of thought, which – as an overcoming of a self-image cleaving to the merely physical – warrants the recognition of social reality.
Jamie Isenstein shows how the body itself can become a part and the object of an artistic work in her performance Rug Rug Rug Rug Rug. Intermittently during the complete duration of the exhibition the artist lies face-down on a rug, for an amount of time defined by herself, her body covered with a series of animal skins – wolf, sheep, bear. Along the lines of Aesop’s fable The Wolf in Sheep’s Clothing or also in reference to the quote made popular by Thomas Hobbes Homo Homini Lupus Est – Man is a wolf to man. Isenstein not only caricatures the fluctuation of truth and deception in an outward gesture, she also simultaneously masks and demasks. With the addition of a sign reading Closed. Open at: (clock) as is used to announce shop opening hours that proclaims the artist’s absence, Jamie Isenstein’s work shifts between performance, still life and sculpture.
The paintings by Uwe Henneken form a series of self-portraits ranging from figurative to abstract, in which he personifies himself through the appropriation of foreign poses and roles. The painter draws on cultural and political, literary and art-historical contexts, which serve him as fictive templates and synonyms and encompass a morphology of personality and history. The figures (such as the Schlemihl) that appear in an altered context, are cited – sometimes from his own paintings – and refer to innovators, outsiders or rebels who resist categorisation and were occupied with the constitution of imperial structures and the renunciation of limitations in an conceptual, idealising way. In the painting Reite den Tiger, which refers to Julius Evola’s book Cavalcare la Tigre (Ride the Tiger), Henneken not only transforms the metaphor inherent to the book for a model of thought that disregards the self, but also counteracts the ambivalent thought structure of the anti-modernist Dadaist Evola as an antagonism of the self.
The drawing-, sculpture-, and performance-based House Arrest piece by the artist Eva Kotátková handles possible forms of self-cognition: in testing and performing diffuse poses and gestures the artist generated a series of objects – enhanced by sketches – which developed into surrealist apparatuses and installations. Books, furniture, as well as constructions out of wood and metal form a body of sculptural work, which react with an abundance of free-hanging caricatured drawings, conveying subtle instructions to the viewer. Kotátková exposes the self as a model-like husk that – girthed by the corset of her installation – questions a subject-affirmative positioning of the self.
While Rimbaud ascribes musical attributes to mere language, in Heike Aumüller’s video pieces Absence and Blindlings the acoustics of a wordless improvised action form the composition of the portrayed scene. The silently acting, usually masked protagonists – whose bodies serve as instruments for the respective sequence of action – do not let any individual traits become visible outside of the grotesque events. The interior in which Aumüller places the figures, however, is unique: the given field of view shows a temporarily appropriated room from which ultimately the partially improvised performance emerges, and that dissolves in its function as a stage after the implementation of an abstruse scene.
The palimpsest-like, ongoing overwriting and deleting of the previously existent is ultimately bolstered by the music and concert by Kammerflimmer Kollektief. The trio, founded in 1996 by Thomas Weber as an extension and alliance of visual arts and music will be playing on Friday during the week of art forum in our gallery. With instruments such as electric guitar, percussion, Himalayan reed organ and expressive, non-linguistic vocals, the group creates a non-verbal, synthetic musical blanket of sound, which is based on a score but sustained by improvisation, offering the listener a meandering audio-composition between searching for, clutching onto and disappearance of the present, voiced in the form of sound.
In Jonathan Monk’s self-referential works, the artist refers to pre-existent form concepts, which he applies concretely to his person and distorts. In the photo series Kiss Alive he painted his face according to the make-up codex of the hard rock band Kiss, disguising his identity beyond recognition behind a symbolically charged masquerade of colour. For the photographic piece Everything in the World That Has Ever Been Seen Monk in turn reproduced a photographic portrait of Giuseppe Penone, in which he added two convex, shiny earring pins over the eyes (instead of Penone’s reflecting contact lenses) – these mirror the gallery space as well as the observer.
Daniel Roth links imagined and real spaces – through the transformation of materiality and space – in his installation Glaswaldsee at our fair stand at the Artforum Berlin: using the media of drawing and photography the artist joins together documented and remembered viewpoints, which he presents as an associative picture sequence. According to the viewer’s position, these images are mirrored in the surface of a floor sculpture that fits together the individual pieces into a narrative strand in the viewers perception – as an extension of the room and a projection surface at the same time.
By contrast, Ján Mančuška creates a signature-like description of space with his associatively arranged linguistic and pictorial fragments. The installation presented at Artforum Bange vor dem zuerst Ausgedachten (Fear What is Made up First) shows a series of objects similar to showcases, which sound out the filmstrips arranged in front of light sources within them as the body of an episodically presented narrative. Mančuška’s objects, interiors and image-like sentences create a dramaturgy that condenses into fictive, cinematic sequences in the viewers imagination. This becomes evident in the 16 mm film Double that is being shown in our gallery, in which parallel strands of narrative overlap and revolve around the doppelganger theme.
Christina Irrgang, translated by Zoe Miller
Wir freuen uns, mit der Gruppenausstellung Je Est Un Autre Arbeiten der sechs zeitgenössischen KünstlerInnen Heike Aumüller, Uwe Henneken, Jamie Isenstein, Eva Kotatkova, Ján Mancusca und Jonathan Monk zusammen zu führen, welche in unterschiedlichen Medien mit einer surrealistischen Aneignung von Figuration arbeiten. Malerei, Installation, Film und Performance werden über die Ausstellung hinaus durch ein Konzert der Gruppe Kammerflimmer Kollektief (Heike Aumüller, Johannes Frisch und Thomas …
Wir freuen uns, mit der Gruppenausstellung Je Est Un Autre Arbeiten der sechs zeitgenössischen KünstlerInnen Heike Aumüller, Uwe Henneken, Jamie Isenstein, Eva Kotatkova, Ján Mancusca und Jonathan Monk zusammen zu führen, welche in unterschiedlichen Medien mit einer surrealistischen Aneignung von Figuration arbeiten. Malerei, Installation, Film und Performance werden über die Ausstellung hinaus durch ein Konzert der Gruppe Kammerflimmer Kollektief (Heike Aumüller, Johannes Frisch und Thomas Weber) erweitert, welches am Freitag, den 25.09.2009 um 20 Uhr in unseren Galerieräumen stattfindet. Parallel zur Ausstellung präsentieren wir auf dem Artforum Berlin auf unserem Messestand zwei weitere künstlerische Positionen von Daniel Roth und Ján Mancusca, welche dort mit ihren assemblageartigen Rauminstallationen an das Konzept der Gruppenausstellung anschließen. Diese offene Form des Kuratierens soll erlauben, Verwandtschaften der zwischen Bildender Kunst, Musik und Film zirkulierenden Positionen zu erschließen, und über das spezifische Medium hinaus Raum für eine Begegnung der jeweils sehr individuellen Formensprache zu gewährleisten.
Ausgehend von der Betrachtung des Selbst treten in der Ausstellung solche Arbeiten in einen Dialog, die sich – zum Teil auf humoreske Weise – mit der Wahrnehmung, Ausformung und Brechung von Identität beschäftigen. Der Ausstellungstitel Je Est Un Autre führt hierbei zurück auf einen von Arthur Rimbaud im Jahr 1871 verfassten Brief an den Literaten Paul Demeny, worin der Dichter Rimbaud seine Idee von der neuen Funktion des Dichters als Schöpfer, Magier und Seher kommuniziert. Mit der in diesem Brief festgehaltenen Formulierung „Car Je est un autre – Denn Ich ist ein anderer” charakterisiert er das von ihm erdachte Selbst über die Entgrenzung aller Sinne, als eine aus Fragmenten komponierte Größe, welche einem Pendeln zwischen Form und Formlosigkeit gleicht. Dieses parzellierte Ich sieht Arthur Rimbaud in der poetischen Artikulation als melodisch-rhythmische Vertonung des Denkens verkörpert, welche – als Überwindung eines bloß dem Körperlichen verhafteten Selbstbildes – die gesellschaftliche Wirklichkeit zu erkennen gewährt.
Wie der Körper selbst zum Teil und Objekt einer künstlerischen Arbeit wird, zeigt Jamie Isenstein mit ihrer Performance Rug Rug Rug Rug Rug. Während der gesamten Dauer der Ausstellung liegt die Künstlerin hierbei für einen von ihr definierten Zeitabschnitt mit dem Gesicht zum Boden gewandt auf einem Teppich, wobei ihr Körper wiederum von einer Folge von Tierfellen – Wolf, Schaf, Bär – überdeckt ist. Angelehnt an Aesops Fabel Der Wolf im Schafspelz, oder auch in Hinsicht auf den durch Thomas Hobbes bekannt gewordenen Ausspruch Homo homini lupus – Der Mensch ist dem Menschen ein Wolf, karikiert Isenstein hier nicht nur das Fluktuieren von Wahrheit und Täuschung einer nach außen gerichteten Gebärde – Isenstein maskiert und demaskiert zugleich. Durch das Hinzuziehen eines Schildes mit der Aufschrift Closed. Open at: (clock) wie es zur Bekanntgabe von Ladenöffnungszeiten verwendet wird und die Abwesenheit der Künstlerin verkündet, changieren Jamie Isensteins Arbeiten zwischen Performance, Stillleben und Skulptur.
Die Gemälde von Uwe Henneken bilden eine Folge figurativer bis abstrahierter Selbstportraits, welche über die Aneignung fremder Posen und Rollen ihn selbst personifizieren. Der Maler erschließt seine Vorlagen hierbei aus kulturpolitischen, literarischen wie auch kunsthistorischen Kontexten, die ihm als fiktive Schablone wie auch als Synonym dienen, und eine Morphologie von Persönlichkeit und Geschichte umkreisen. Die hier von Henneken – auch aus eigenen Bildern – zitierten, und in einem abgewandelten Bezugsrahmen auftretenden Figuren (wie dem Schlemihl) referieren auf Grenzgänger, welche sich modellhaft mit der Konstitution imperialer Strukturen und der Lossagung von Limitation befassen. Mit dem Gemälde Reite den Tiger, welches an das von Julius Evola verfasste Buch Cavalcare la Tigre (Den Tiger reiten) anknüpft, umspannt Henneken nicht nur die der Literatur inhärente Metapher für ein das Selbst außer Acht lassendes Denken, sondern konterkariert gleichsam die ambivalente Denkstruktur des Anti-Modernisten wie auch Dadaisten Evola als Antagonismus des Selbst.
Die auf Zeichnung, Skulptur und Performance basierende Arbeit House Arrest der Künstlerin Eva Kotatkova, befasst sich mit Möglichkeitsformen der Wahrnehmung des Selbst: in der Erprobung und Durchführung diffuser Posen und Gebärden, hat die Künstlerin eine Folge von Objekten generiert, welche – durch Zeichenskizzen kommentiert – zu surrealistischen Apparaturen und Raumgefügen entwachsen. Bücher, Möbel, wie auch Konstruktionen aus Holz und Metall formen so einen skulpturalen Korpus, welcher in Rückkopplung an eine Fülle freihängender, karikierter Zeichnungen, dem Betrachter subtile Handlungsanweisungen vermitteln. Kotatkova entlarvt hierbei das Selbst als modellhafte Hülse, welches – vom Korsett ihrer Installation umspannt – eine subjektbestimmte Positionierung des Selbst in Frage stellt.
Während Rimbaud der bloßen Sprache musikalische Eigenschaften zuordnet, formt in Heike Aumüllers Videobildern Absence und Blindlings die Akustik einer wortlosen, improvisierten Handlung die Komposition der dargestellten Szene. Die im Stillschweigen agierenden, zumeist maskierten Protagonisten – deren Körper als Instrument der jeweiligen Handlungsfolge dient – lassen außerhalb des grotesken Geschehens keine individuellen Merkmale sichtbar werden. Spezifisch hingegen ist das Interieur, in welches Aumüller die Statisten implantiert: der jeweilige Bildausschnitt zeigt einen von der Künstlerin temporär angeeigneten Raum, aus welchem letztlich die zum Teil improvisierte Performance hervorgeht, und sich nach dem Vollzug einer abstrusen Szene in der Funktion als Bühne auflöst.
Das palimpsestartige, fortwährende Überschreiben und Auslöschen des bereits Vorhandenen, wird schließlich mit der Musik und dem Konzert des Kammerflimmer Kollektiefs unterlegt. Als Erweiterung und Verknüpfung von Bildender Kunst und Musik spielt das 1996 von Thomas Weber gegründete Trio in der Woche während des Artforums am Freitagabend in unserer Galerie. Mit Instrumenten wie Elektrische Gitarre, Percussion, indischem Harmonium und reinem Stimm-Gesang, gestaltet die Gruppe ein nonverbales, synthetisches Klanggewebe, welches – auf einer Partitur beruhend, doch von Improvisation getragen – dem Hörer eine mäandernde Tonkomposition zwischen Suchen, Festhalten und Entschwinden des durch Laute intonierten Präsenten bietet.
Jonathan Monk bezieht sich in seinen selbstreferenziellen Arbeiten auf bereits bestehende Formkonzepte, die er als Applikation konkret auf seine Person anwendet und verfremdet. So hat sich der Künstler für die Fotoserie Kiss Alive im Make-Up-Kodex der Hard-Rock-Band Kiss geschminkt, und seine Identität hinter einer symbolverhafteten Farbmaskerade unkenntlich gemacht. Für die Fotoarbeit Everything in the World That Has Ever Be Seen hat Monk wiederum ein fotografisches Portrait von Giuseppe Penone reproduziert, welchem er im Bereich der Augenpartie – an Stelle Penones verspiegelter Kontaktlinsen – zwei konvex gewölbte, glänzende Ohrschmuckstecker hinzugefügt hat, deren Oberfläche den Galerieraum wie auch den Betrachter der Arbeit reflektieren.
Über die Transformation von Körperlichkeit und Raum erstellt Daniel Roth mit der Installation Glaswaldsee auf unserem Messestand beim Artforum Berlin eine Verknüpfung von realen sowie imaginierten Orten: anhand der Medien Zeichnung und Fotografie fügt der Künstler hierbei dokumentierte wie auch erinnerte Blickwinkel aneinander, welche er als assoziative Bildfolge darlegt. Je nach Positionierung des Betrachters, spiegeln sich diese Bilder in der Oberfläche einer Bodenskulptur, die – als Erweiterung des Raumes und Projektionsfläche zugleich – die einzelnen Versatzstücke in der Perzeption des Betrachters zu einem narrativen Strang zusammen fügt und fortsetzt.
Jàn Mancuska erzeugt hingegen mit seinen assoziativ im Raum zusammen gestellten sprachlichen oder bildhaften Fragmenten eine signaturhafte Beschreibung von Raum. Die auf dem Artforum präsentierte Installation Bange vor dem zuerst Ausgedachten zeigt so eine Serie von Schaukasten ähnlichen Objekten, welche die darin vor Lichtquellen arrangierten Filmbildstreifen als Körper einer episodenhaft präsentierten Erzählung ausloten. Mancuscas Objekte, Interieurs und bildhafte Sentenzen erzeugen hierbei eine Dramaturgie, die sich in der Vorstellung des Betrachters zu fiktiven, cineastischen Sequenzen verdichtet. Der in unserer Galerie projizierte 16mm-Film Double macht dies schließlich in der Überlagerung paralleler Handlungsebenen und dem Motiv des Doppelgängers evident.
Christina Irrgang
