Various Others 2024 Katinka Bock Sheila Hicks

07.09.24 – 16.11.24 Duo exhibition Galerie Rüdiger Schöttle, Munich

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This duo exhibition shows the works of textile artist Sheila Hicks and sculptor Katinka Bock in dialogue for the first time. At first glance, the two don’t appear to have much in common. Hicks, 90 years old, born in Nebraska, and Bock, aged 48, born in Frankfurt am Main. Both of them have been living in Paris for many years. The former works with wool, linen, silk; with soft materials. Bock uses clay, ceramics, glass, wood, stone, copper, bronze – but sometimes also textiles. Bock’s works are …

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This duo exhibition shows the works of textile artist Sheila Hicks and sculptor Katinka Bock in dialogue for the first time.

At first glance, the two don’t appear to have much in common. Hicks, 90 years old, born in Nebraska, and Bock, aged 48, born in Frankfurt am Main. Both of them have been living in Paris for many years. The former works with wool, linen, silk; with soft materials. Bock uses clay, ceramics, glass, wood, stone, copper, bronze – but sometimes also textiles.

Bock’s works are always site-specific; they thus reference the location. Depending on the space and the time of the exhibition, her works are unique. Sometimes she presents a hanging sculpture, sometimes it is lying down, then perhaps outdoors or casually leaning against a wall. Before the artist starts working on a show, she looks at the room and asks herself questions such as, What’s missing here? And also mostly, How can I break the seclusion of this space? In 2008 she installed a water system in an exhibition space in Delme, France, because when she asked the team at the institution what was lacking there, their unanimous answer was: “water”.

Bock’s mural Various horizons (2024), which is being shown in this exhibition for the first time, suggests a chain of mountains in a place in which one would otherwise only see the bare façade of a house. On it, shines the lemon-yellow glazed ceramic S-ol (2024). The aluminium parts of Various horizons, each one meter long, are connected to each other like a folding ruler and can be folded and unfolded. But because the individual segments are positioned varying distances apart, the aluminium construction can’t fulfil the purpose of a folding ruler – the exact measurement of a distance. Bock describes this slight modification as a “variability of a norm”. A room is defined by its measurements and demarcated from other areas. The topic of limits is a central one for Bock. She says: “Emphasizing the limits is sublime and brutal at the same time. It’s more than simply questioning.”

Since time immemorial, maps and constellations have served to record what we humans measure, demarcate and map, and to disseminate knowledge about it. For the work Mount Palomar (2023), Bock used jeans fabric that she subjected to the weather, the sun and the moon for several days and nights so that traces of the light and shadow of a Parisian winter are visible on it. The ceramics, reminiscent of a celestial constellation, that she applied to the fabric, are leftovers of larger works that Bock had collected in her studio. They are thus part of a history and another form, set pieces that have been given new life in this composition. The title refers to the book Mr. Palomar (1983) by the Italian writer Italo Calvino, who named his protagonist after a famous observatory in California – Mount Palomar. Like the artist herself, Mr Palomar is an attentive observer who sees “the minute facts of everyday life from a cosmic perspective.” The larger ceramic piece at the bottom left of the work looks as if it’s looking up into the starry sky using a telescope. Mr Palomar is also fascinated by Saturn, which he looks at through a telescope.

After microscopically observing of a field of grass, Calvino’s character of Palomar is thrown into turmoil. How is it possible to correctly capture the “material consistence” of the world at all? The photograph For Your Eyes Only (A) (2017) shows part of a bare leg on which the imprint of a too-tight sock – or is it the imprint of grass on the skin – is about to disappear. Bock’s works reflect this scanning of the infinite in a movement of thought between the microscopically small and the all-encompassing large. The artist herself says: “Heaven and the ocean are concrete realities that at the same time stand for longing and a horizon. It’s possible that this sculpture even wants to achieve this ambivalence.”

That sounds poetic, but Bock’s works are neither symbolic nor metaphorical. They stand for nothing other than for themselves only – their material. As Bock writes: “I’m interested in the fact that a lemon is a lemon.” She uses the material, be it a lemon, copper or bronze, as a substance in an experimental set-up. When describing her work, one inevitably speaks of chemical or physical processes: they are oxidized, burned, evaporated – or even exploded, like the bronze Ginny (2018), actually the form of a carp that exploded during the pouring.

While Bock’s works unfold their references based on the immanence of the here and now, the works of Sheila Hicks tie in directly with the metaphorical. In his essay “Weaving as Metaphor and Model for Social Thought” about Hicks published in 2006, the American art critic Arthur Danto writes about the ancient Greek idea of weaving as an analogy for the polis, the state: a finely woven network of dependencies.

Like Bock’s works, those of Hicks are mostly also site-specific. For instance, she builds a tower out of bales of fabric stacked on top of each other into the exhibition space in such a way that they appear to support the architecture. Yet her works, always made of soft materials like wool, linen or silk, come into direct dialogue with the architecture as such and less with the social and historical references on which these are based, as is the case with Bock. Yet Hicks’ works are still dependent on the conditions and the forces in the room – above all on gravity. Often, the cords or fabric nets of her works hang vertically from the ceiling or from their supports and then fold luxuriantly over each other on the floor, as in the work not yet titled (2024), which can be seen in the exhibition.

Hicks studied at Yale in the 1950s with the Bauhaus painter Josef Albers, who is known for his colour theory, lived in Mexico and travelled through the South American countries to learn traditional weaving techniques. The modernist school of the Bauhaus, which declares the distinction between fine art, decoration and design to be outdated, is continued by Hicks in her work. For this, textiles as material are a suitable link. They are in everyday-life objects, in clothes, and in interior furnishings, but they also offer a reference to classical painting in its use as fabric for canvases.

Although she turned to textile art early on, Hicks has employed painting as an artistic basis in her works up until today. Untitled (2024) follows the tradition of abstract painting. Through the connection to various coloured linen threads, Hicks aims for subtle, oscillating colour effects. In contrast to painting, however, the image carrier and colour are not separate, but they form a unit.

Colour plays a role for both Hicks and Bock. But while it takes Bock some effort, as she herself says, to add a new colour to her artistic cosmos (so far, she has primarily used blue, and the yellow on display in the exhibition is a new addition), Hicks always combines new colours and brings the different coloured fibres close together, as in Meeting on the staircase 1 and 2 (2023). Together they create an image of opulence and abundance. While the foundation for Hicks’ works is the addition of something (a colour, a thread), it is limitation that forms the basis for Bock’s work. These artistic approaches can be better comprehended in dialogue. Even if they do this in different ways, they are both sensitive observers of us humans, our rituals and the contexts in which we move every day – in this gap between heaven and earth that we call life.

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Die Duoausstellung zeigt die Arbeiten der Textilkünstlerin Sheila Hicks und der Bildhauerin Katinka Bock erstmals im Dialog. Auf den ersten Blick gibt es zwischen den beiden nicht viele Ähnlichkeiten: Hicks, 90 Jahre alt, geboren in Nebraska und Bock, 48 Jahre alt, geboren in Frankfurt am Main. Beide leben seit Jahren in Paris. Erstere arbeitet mit Wolle, Leinen und Seide, mit weichen Materialien. Bock verwendet Ton, Keramik, Glas, Holz, Stein, Kupfer, Bronze – manchmal aber auch Textilien. Die …

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Die Duoausstellung zeigt die Arbeiten der Textilkünstlerin Sheila Hicks und der Bildhauerin Katinka Bock erstmals im Dialog.

Auf den ersten Blick gibt es zwischen den beiden nicht viele Ähnlichkeiten: Hicks, 90 Jahre alt, geboren in Nebraska und Bock, 48 Jahre alt, geboren in Frankfurt am Main. Beide leben seit Jahren in Paris. Erstere arbeitet mit Wolle, Leinen und Seide, mit weichen Materialien. Bock verwendet Ton, Keramik, Glas, Holz, Stein, Kupfer, Bronze – manchmal aber auch Textilien.

Die Arbeiten von Bock sind immer ortsspezifisch, nehmen also Bezug auf den Raum. Je nach Ort und Zeit der Ausstellung sind ihre Werke einmalig. Mal wird eine Skulptur hängend, mal liegend präsentiert, dann im Außenraum oder lässig an die Wand gelehnt. Bevor die Künstlerin anfängt, für eine Schau zu arbeiten, sieht sie sich die Räume an und stellt sich Fragen, wie: Was fehlt hier? Und meist auch: Wie kann ich die Abgeschlossenheit dieses Raums aufbrechen? 2008 hat sie deshalb in einem Ausstellungsraum im französischen Delme ein Wassersystem installiert, weil das Team der Institution auf ihre Frage hin, an was es ihnen dort fehle, einhellig „Wasser” geantwortet hatte.

Bocks Wandarbeit Various horizons (2024), die sie in der Ausstellung erstmals zeigt, suggeriert eine Bergkette an einer Stelle, wo man sonst nur eine kahle Hausfassade sieht. Darüber strahlt die zitronengelb glasierte Keramik S-ol (2024). Die jeweils einen Meter langen Aluminiumteile von Various horizons sind, wie bei einem Zollstock, miteinander verbunden und können zusammen- und auseinandergeklappt werden. Weil die einzelnen Segmente aber mal mit mehr oder weniger Abstand montiert sind, kann die Aluminiumkonstruktion gar nicht den Zweck eines Zollstocks – das genaue Vermessen einer Strecke – erfüllen. Diese leichte Abwandlung beschreibt Bock als „Variabilität von einer Norm“. Durch das Messen wird ein Raum definiert und gegenüber anderen Bereichen abgegrenzt. Das Thema der Begrenzung ist zentral für Bock. Sie sagt: „Die Begrenzung zu betonen, ist sublim und brutal auf einmal. Das ist mehr als ein simples Infragestellen.“

Karten und Sternbilder dienen seit jeher dazu, das, was wir Menschen vermessen, eingrenzen und kartographieren, festzuhalten, und das Wissen darüber weiterzugeben. Den Jeansstoff für die Arbeit Mount Palomar (2023) setzte Bock in einer Langzeitbelichtung mehrere Tage und Nächte lang dem Wetter, der Sonne und dem Mond aus, sodass nun die Spuren von Licht und Schatten eines Pariser Winters auf ihm sichtbar sind. Die Keramiken, die sie, erinnernd an eine Himmelskonstellation, auf dem Stoff angebracht hat, sind Überbleibsel von größeren Werken, die Bock in ihrem Atelier sammelt. Damit sind sie Teil einer Geschichte und einer anderen Form, Versatzstücke, die ein neues Sein in dieser Komposition bekommen haben. Der Titel verweist auf das Buch Herr Palomar (1983) des italienischen Schriftstellers Italo Calvino, der seinen Protagonisten nach einer berühmten Sternwarte in Kalifornien – Mount Palomar – benannt hat. Wie die Künstlerin auch, ist Herr Palomar ein aufmerksamer Beobachter, der „die winzigen Fakten des täglichen Lebens aus einer kosmischen Perspektive sieht“. Die größere Keramik unten links wirkt so, als würde sie durch ein Teleskop nach oben in den Sternhimmel schauen. Auch Herr Palomar ist fasziniert vom Saturn, den er durch ein Teleskop betrachtet.

Nach der mikroskopischen Betrachtung eines Grasfeldes gerät Calvinos Figur des Palomar in Aufruhr: Wie kann man die „materielle Konsistenz“ der Welt überhaupt richtig erfassen? Die Fotografie For Your Eyes Only (A) (2017) zeigt einen Teil eines nackten Beins, auf dem der Abdruck einer zu engen Socke – oder ist es der Abdruck von Gras auf der Haut – gerade zu verschwinden droht. Bocks Arbeiten spiegeln dieses Abtasten des Unendlichen in einer Denkbewegung zwischen dem mikroskopisch Kleinen hin zum allumspannend Großen. Die Künstlerin selbst sagt: „Himmel und Meer sind konkrete Gegebenheiten, die zugleich für eine Sehnsucht und einen Horizont stehen. Möglicherweise will die Skulptur sogar diese Ambivalenz erreichen.“

Das klingt poetisch, Bocks Arbeiten sind aber weder symbolisch, noch metaphorisch. Sie stehen nicht für etwas anderes, sondern nur für sich selbst – ihr Material. Wie Bock schreibt: „Mich interessiert es, dass eine Zitrone eine Zitrone ist.“ Das Material, sei es eine Zitrone, Kupfer oder Bronze, nutzt sie als Stoff wie in einer Versuchsanordnung. Beschreibt man ihre Werke, spricht man unweigerlich von chemischen oder physikalischen Prozessen: Sie sind oxidiert, verbrannt, verdunstet – oder gar explodiert, so wie die Bronze Ginny (2018), eigentlich die Form eines Karpfens, die beim Gießen explodiert ist.

Während Bocks Arbeiten ausgehend von der Immanenz des Hier und Jetzt ihre Bezüge entfalten, knüpfen die Werke von Sheila Hicks unverwandt an das Metaphorische an. Der amerikanische Kunstkritiker Arthur Danto spricht in seinem 2006 erschienenen Essay über Hicks, „Weben als Metapher und Modell für soziales Denken“, von der altgriechischen Vorstellung des Webens als Analogie für die Polis, den Staat: ein fein verwobenes Netz von Abhängigkeiten.

Wie Bocks Werke, sind auch Hicks Arbeiten meist ortsspezifisch: Zu einem Turm aufeinandergestapelte Stoffballen baut sie zum Beispiel so in den Ausstellungsraum hinein, dass sie die Architektur zu stützen scheinen. Ihre Werke, stets aus den weichen Materialien wie Wolle, Leinen oder Seide, treten dabei jedoch direkt in einen Dialog mit der Architektur als solche, und weniger mit den gesellschaftlichen und historischen Bezügen, die diesen zugrunde liegen, wie das bei Bock der Fall ist. Abhängig von den Gegebenheiten und den Kräften im Raum sind Hicks Werke trotzdem auch – vor allem von der Schwerkraft. Oft hängen die Schnüre oder Stoffnetze ihrer Arbeiten vertikal von der Decke oder von ihren Trägern und falten sich dann üppig auf dem Boden übereinander, so wie in der Arbeit not yet titled (2024), die in der Ausstellung zu sehen ist.

Hicks studierte in den 1950er Jahren in Yale bei dem Bauhaus-Maler Josef Albers, der für seine Farbtheorie bekannt ist, lebte in Mexiko und reiste durch Länder Südamerikas, um sich traditionelle Techniken der Webkunst anzueignen. Die modernistische Schule des Bauhaus, die die Unterscheidung zwischen bildender Kunst, Dekoration und Design für überholt erklärt, führt Hicks in ihrem Werk fort. Textil als Material ist dafür ein geeignetes Bindeglied: Es kommt sowohl im Alltag, in der Kleidung und der Inneneinrichtung vor, aber bietet in der Verwendung als Stoff für Leinwände auch einen Bezug zur klassischen Malerei.

Obwohl sie sich schon früh der Textilkunst zuwandte, manifestiert sich die Malerei als künstlerische Basis bis heute in Hicks Werken. Untitled (2024) lehnt sich an die Tradition der abstrakten Malerei an. Durch die Verbindung verschiedenfarbiger Leinenschnüre erzielt Hicks subtile, oszillierende Farbeffekte. Im Gegensatz zur Malerei sind Bildträger und Farbe jedoch nicht getrennt, sondern bilden eine Einheit.

Farbe spielt bei Hicks wie bei Bock eine Rolle. Während es Bock aber einige Überwindung kostet, wie sie selbst sagt, ihrem künstlerischen Kosmos eine neue Farbe hinzuzufügen – bislang verwendet sie in erster Linie Blau, und das Gelb, das in der Ausstellung zu sehen ist, ist eine Neuerung – kombiniert Hicks stets neue Farben und bringt die unterschiedlich farbigen Schnüre, wie in Meeting on the staircase 1 und 2 (2023) direkt auf Tuchfühlung. Zusammen ergeben sie ein Bild von Üppigkeit und Fülle.

Während die Grundlage für Hicks Arbeiten das Hinzufügen von etwas – einer Farbe, einer Schnur – ist, bildet das Begrenzen die Basis für die Arbeiten von Bock. Im Dialog werden diese künstlerischen Herangehensweisen besser nachvollziehbar. Auch wenn sie das auf unterschiedliche Weisen tun: Feinfühlige Beobachterinnen von uns Menschen, unseren Ritualen und den Kontexten, in denen wir uns tagtäglich bewegen – in diesem Abstand zwischen Himmel und Erde, den wir Leben nennen – sind sie beide allemal.

Various Others 2024

Various Others 2024 Katinka Bock Sheila Hicks

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