梅瑞德·欧本汉（1913–1985年）无疑是20世纪最重要的艺术家之一。
 
她创作绘画、雕塑、设计和时尚物件，写诗，同时也从事舞台布景和珠宝设计，还做过摄影师和模特。虽然她目前被许多人视为（法国）超现实主义的杰出典范，但她的艺术风格无法分类，也无法归结为常规的艺术发展路线。欧本汉拒绝主流观点、流派的界限和关于艺术创作的固定观念。对她来说，实验是最重要的：她充满着对未知新事物的好奇心和欣喜。她无法想象自己创作成系列的作品、反复使用类似的比喻、限制自己或不停地重复同样的事情。涉入性别议题以及相关的社会和艺术概念，也是她实践的关键。在男性主导的艺术领域（如今依然如此），作为一个女性艺术家，她的性别不仅是她艺术表达的主题，也是她个人和政治活动的重心。她批判的、解放性的以及从不墨守成规的态度，使她成为当时和许多后辈艺术家的榜样。
 
梅瑞德·欧本汉于1932年抵达巴黎。她很快在那里成为当代艺术界的一员，经常与阿尔贝托·贾科梅蒂 （Alberto Giacometti）、巴勃罗·毕卡索（Pablo Picasso）、让·阿尔普（Jean Arp）、安德烈·布勒东（André Breton）和马克斯·恩斯特（Max Ernst）一起参加展览。正是在这段时期，曼·雷（Man Ray）创作了他著名的裸体照片系列Erotique-voilée——展示了20岁的欧本汉站在一台重型机械后面，“穿着”的衣服只有黑色打印机的墨水。
 
欧本汉的早期艺术作品主要是一些凌乱的素描、难以理解的绘画、怪异的物体、拼贴画以及珠宝和时尚配饰的设计。正是在1936年，她创作了也许是最著名和标志性的超现实主义作品Le Déjeuner en fourrure：一个覆盖着毛皮的杯子、碟子和小勺子。在Galerie Cahiers d’Art首次展出后，这个物品在纽约现代艺术博物馆（MoMA）开创性的“奇幻艺术、达达主义、超现实主义”（Fantastic Art, Dada, Surrealism，1936–37年）展览中展出，然后被当时的馆长阿尔弗雷德·巴尔（Alfred Barr）购入博物馆馆藏。
 
对于这位因此举世闻名的年轻艺术家来说，随之而来是一长段时间的创作与身份危机。她仅仅被当作缪斯，沦落成为一个现成品。因此，她搬到了伯尔尼（Bern）的一间工作室，在那里她感受到了一种新的氛围，对她的艺术创作大有裨益。
 
尽管她与巴黎的超现实主义决裂，但20世纪初的许多核心思想仍然内化于她的作品中。连结不同流派并结合各种材料，从素描、绘画和设计到时装、珠宝、家具和纺织品，她的作品充满稀奇古怪的幻想、诗意和讽刺、幽默和真诚。就如一场竞赛，充满着各种颜色与形式、不同材料、情感与疏离的组合。她的作品有时具有清晰的几何图形，有时则具有抒情的抽象性。从60年代后期开始，梅瑞德·欧本汉通过个展和群展在国际上又被再次发现。1967年，斯德哥尔摩现代博物馆（Moderna Museet）举办了她的第一次回顾展。她所质疑的性别角色——在巴黎仍被视为由父权决定的女性气质，最终形成了一套全面的雌雄同体理论，明确反对“女性”艺术：“在精神领域，男人和女人没有区别，差异只存在于动物性——因为精神是雌雄同体的。”正是这种态度后来使她成为几代艺术家的指路明灯。