Verwurzelung. Die eigenen Wurzeln freilegen. Neue Wurzeln schlagen und sich verankern.

Über ein Netz aus Rohmaterialien, eine rhizomatische Struktur der Erinnerung, werden Verbindungen weitergetragen. Ein Akt des Ausgrabens. Ein gemeinsamer Boden.

Die 1987 geborene Künstlerin Jeewi Lee macht die Beziehung zwischen Mensch und Natur sowie ihre persönlichen Wurzeln durch den Einsatz ursprünglicher Materialien und die Spannung widersprüchlicher Dualitäten erfahrbar. In ihrer Einzelausstellung Ground präsentiert Meyer Riegger drei Werkgruppen, die sich mit den kreativen und kulturellen Grundlagen ihrer Praxis auseinandersetzen.

In ihrer fortlaufenden Serie Past Tense (2016–heute) arbeitet Lee mit Hanji jangpan – einem traditionellen, besonders widerstandsfähigen koreanischen Papier, das mit einem speziellen Öl imprägniert wird und als Bodenbelag in traditionellen koreanischen Häusern (Hanok) Verwendung findet. Indem sie einzelne Ausschnitte dieser Böden aus ehemaligen Wohnhäusern heraustrennt und gerahmt an der Wand präsentiert, lenkt sie unseren Blick nach unten: auf den Boden, das Fundament und die nackten Füße.

Historisch eng mit dem Ondol, dem traditionellen koreanischen Fußbodenheizungssystem, verbunden, prägte der Boden bis ins 20. Jahrhundert die koreanische Wohnkultur, denn das alltägliche Leben spielte sich überwiegend auf Bodenniveau ab. Mit wenigen Möbeln ausgestattet, konnten Räume flexibel genutzt werden: Zum Essen, für soziale Begegnungen oder zum Schlafen – oftmals innerhalb desselben Zimmers. Heute verschwindet diese Lebensweise immer mehr aus der Gesellschaft.

Diese Form des Wohnens macht die Künstlerin sichtbar, indem sie den physischen Boden als lebendiges Archiv behandelt. Lee legt die geisterhaften Spuren der Menschen und Gegenstände frei, die diese Räume einst durchquerten, und macht die dauerhaft im Hanji jangpan eingeschriebenen Zeichen sichtbar. Der Boden überschreitet dabei seine Funktion als architektonisches Element und wird zugleich zu einem Träger kultureller Erinnerung, zur Leinwand und einem historischem Zeugnis. Die Künstlerin versteht den Boden als eine Form von Zeichnung oder Malerei, welche über Zeit, Ort und Erinnerungen spricht, wobei sie diesen Prozess als einen umgedrehten Prozess einer Malerei sieht, indem sie nicht leere Leinwände füllt, sondern die bereits existierenden Flächen einrahmt.

Ein weiteres zentrales Material in Lees Werk ist Ott (옻), ein Rohharzlack, der aus dem Lackbaum (Toxicodendron vernicifluum) gewonnen wird, einer in Ostasien heimischen Baumart. Als eines der beständigsten Materialien wurde Lack historisch genutzt, um königliche und spirituelle Objekte zu bewahren und zu stärken. Es war also ein kostbares Material, das aber auch im profanen Leben alltäglich Verwendung fand.
Um den Lack zu gewinnen, werden Schnitte in die Rinde gesetzt – ein sehr aufwendiger Prozess, da man immer nur wenige Mengen ernten kann, und das Ott damit zu einem äußerst wertvollen Material macht. Während die austretende Flüssigkeit ironischerweise im feuchter und warmer Luft trocknet, bildet sie eine äußerst widerstandsfähige Schutzschicht. Gleichzeitig entsteht dieser Schutz aus einer Gefahr heraus: Roher Lack ist hochgiftig und kann bei Hautkontakt schwere allergische Reaktionen auslösen.

Diese widersprüchliche Dualität von Leben und Tod, Schutz und Verletzung steht auch im Zentrum von Illumination of the Tears. Die Künstlerin interpretiert die Bedeutung des Ott neu, indem sie die paradoxe Beziehung zwischen Mensch und Lackbaum hervorhebt. Sie präsentiert einen schwebenden Wald aus Baumstämmen, deren Einschnitte durch ultramarinblaue LED- Lichter beleuchtet werden. Die Intervention lenkt die Aufmerksamkeit auf die Wunden und die scheinbaren „Tränen“ der Bäume, zugleich aber auch auf ihre schützende Kraft sowie auf ihre spirituelle Bedeutung, die tief in der koreanischen schamanistischen Tradition verwurzelt ist.
Verletzlichkeit und Widerstandskraft, Schädigung und Schutz, Ende und Neubeginn eines Lebenszyklus treten auch in einer Serie von Siebdruck-Malerien hervor, die Lee parallel zur Entstehung des beleuchteten Waldes geschaffen hat. Silent Flame_01/02 untersucht in einer abstrakten Formensprache die inneren Schichten des Baumes. Die markante blaue Linie, die einen Kontrast zu dem rötlichen Dunkelbraunstich setzt, hat sich dabei an den unteren Rand der Bildfläche verlagert und verweist erneut auf den Boden, die Wurzeln und die Herkunftslinie. Es ist eine Rückkehr zum Ursprung.

In Shades of Shadows arbeitet Jeewi Lee mit einem weiteren charakteristischen Material, nämlich der Holzkohle, welche durch die Zerstörung von Holz im Feuer entsteht. Durch seine Vermengung mit dem Lack verstärkt die Künstlerin die Spannung zwischen Verfall und Heilung.
Die glatte und dunkle Oberfläche der Arbeit fungiert ähnlich wie ein Spiegel und reflektiert das aus seiner Umgebung emittierende Licht wieder.

In diesen unterschiedlichen Werkgruppen zeigt Jeewi Lee, dass Erinnerung keine lineare Abfolge von Ereignissen ist, sondern ein lebendiges, rhizomatisches Geflecht, in dem
Vergangenheit und Gegenwart fortwährend ineinander übergehen. Ob sie mit den vielschichtigen Spuren verfärbter Böden, dem toxischen Balsam der fast magischen Lackbäume oder der stillen Kohle arbeitet, die aus dem Feuer hervorgegangen ist – stets macht die Künstlerin sichtbar, dass die materiellen Substanzen der Natur die eigentlichen Bewahrer unserer Geister und Erinnerungen sind.
Indem sie Flecken, Sekrete, Fasern und Asche freilegt, führt Lee diese Elemente schließlich wieder zusammen und verankert die Betrachterinnen und Betrachter in einer grundlegenden universellen Erkenntnis: Verfall und Heilung entspringen letztlich derselben Quelle.

Nari Sarmini